Na 48ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, três filmes em destaque mergulham em temas provocativos, de relações familiares complexas a distopias de poder e reflexões sobre o luto. O Clube das Mulheres de Negócios, de Anna Muylaert, apresenta uma sátira sobre uma sociedade dominada por mulheres, onde o humor e o terror se misturam em uma inversão crítica de papéis de gênero. Já Dying – A Última Sinfonia, de Matthias Glasner, explora a desconexão emocional em uma família que lida com a finitude da vida e o peso do passado. Por fim, Malu, de Pedro Freire, revela as fraturas e afetos turbulentos entre três gerações de mulheres ligadas por traumas e resiliência. A seguir, confira as críticas desses três filmes que deixaram marcas na Mostra:
O Clube das Mulheres de Negócios
Imagine uma sociedade onde as mulheres ocupam o topo do mercado de trabalho, lideram famílias e mandam nas instituições enquanto os homens ocupam papéis submissos e são objetificados. Essa é a premissa de O Clube das Mulheres de Negócios, nova sátira de Anna Muylaert. Com um elenco de peso e uma abordagem ousada, o filme traz Irene Ravache, Louise Cardoso, Ítala Nandi e outros talentos em uma fantasia distópica que explora questões de gênero, poder e corrupção no Brasil.
A narrativa segue mulheres poderosas em um clube exclusivo, onde exercem poder absoluto enquanto homens jovens, musculosos e com roupa curta circulam como objetos de desejo. A inversão de papéis é total: os homens, expostos e oprimidos, vestem-se para agradar, enquanto as mulheres dominam com uma postura grotesca e agressiva. Muylaert recorre a uma estética kitsch, criando um contraste visual entre a beleza da fotografia e o comportamento vulgar das personagens, uma ironia que ajuda a manter a crítica social afiada.
No entanto, O Clube das Mulheres de Negócios não se limita ao exagero cômico. A sátira logo cede espaço ao terror quando onças selvagens escapam e começam a perambular pelo clube, trazendo um elemento quase surreal e sinistro à história. As mulheres poderosas, tão seguras de sua impunidade, inicialmente ignoram o perigo, acreditando que as aparências devem ser mantidas a todo custo. Mas a situação rapidamente sai do controle, expondo o quão desconectadas estão essas personagens da realidade ao seu redor.
Muito do impacto do filme vem dessa mistura de gêneros: a comédia inicial, com suas caricaturas de figuras da elite, dá lugar ao horror e à ameaça das feras, que representam o despertar da natureza e uma crítica à arrogância das elites. Muylaert utiliza o artifício das onças digitais, um recurso inusitado para o cinema brasileiro, para intensificar a atmosfera surreal e criar uma alusão ao “capitalismo selvagem” devorando a si mesmo. O CGI reforça o caráter fantasioso e quase onírico da trama, aproximando o filme do tropicalismo, do realismo fantástico e de influências de filmes de gênero, especialmente “Jurassic Park”.
Além das inversões de gênero, o filme questiona o racismo e a desigualdade ao mostrar que, apesar da inversão de poder, as injustiças permanecem. Jongo, vivido por Luís Miranda, um homem negro bem-sucedido, é constantemente subestimado no ambiente elitista, algo que o aproxima do desconforto racial explorado em “Corra!”. Com esse personagem, Muylaert traz à tona questões raciais em meio à sátira, intensificando a crítica sobre como o sistema é excludente, mesmo com novas dinâmicas de poder.
O Clube das Mulheres de Negócios é uma crítica ácida e repleta de camadas, e mesmo ao transitar do humor para o terror, mantém seu propósito de questionar as estruturas de poder no Brasil. A opção por um tom mais sério no clímax pode afastar o filme da leveza inicial, mas não diminui a força de sua mensagem. Muylaert desafia o público a rir das situações, refletir sobre elas e, ao final, encarar uma realidade distorcida, mas próxima, em uma obra que se coloca como um retrato provocativo e original do Brasil contemporâneo.
Dying – A Última Sinfonia
Dying – A Última Sinfonia, dirigido por Matthias Glasner, é um drama impactante e sombrio sobre uma família disfuncional e emocionalmente distante. Com um olhar implacável, o filme explora o distanciamento entre pais e filhos e a falta de afeto que marca suas relações. O filme começa com uma dedicatória do diretor à sua própria família, o que adiciona uma ironia intrigante, especialmente após assistirmos uma história de relações familiares tão frias e cheias de mágoas não resolvidas.
No centro da história está a família Lunies: os pais idosos e doentes, Lissy e Gerd, e os filhos adultos, Tom e Ellen, que vivem ocupados com suas próprias vidas desorganizadas. Lissy, praticamente cega, cuida do marido que sofre de demência, enquanto os filhos estão perdidos em suas vidas pessoais — Tom, um maestro, lida com um relacionamento complicado, e Ellen, entre o alcoolismo e o romance com um dentista casado, enfrenta o vazio de uma vida sem rumo. A relação entre eles é marcada por uma falta de apoio e uma frieza que deixa a família ainda mais desconectada.
A montagem é um destaque, dividindo o filme em blocos que refletem temas como “vida” e “amor”, o que reforça a ideia de uma família que se desintegra. Em vez de tentar mostrar uma narrativa linear e suave, Glasner opta por uma estrutura que reforça o caos e a desordem da dinâmica familiar. O distanciamento emocional é também enfatizado pela câmera, que, enquanto capta as fraquezas físicas dos pais, foca de perto nas crises dos filhos, como se eles fossem ilhas isoladas em meio a suas próprias angústias.
A falta de afeto entre os personagens é quase chocante. Mesmo nos momentos de maior fragilidade, não há uma troca de carinho ou apoio entre eles. O filme mostra como os personagens lidam com suas dores e desafios sozinhos, sem o consolo da família. Esta ausência de empatia ou solidariedade entre os Lunies deixa claro o distanciamento que os define, refletindo uma frieza quase impessoal que ecoa o individualismo do mundo moderno. Cada um parece preso ao próprio ego, o que só aumenta o peso das suas vidas já solitárias.
Apesar da atmosfera sombria, Glasner insere momentos de humor negro que quebram um pouco a tensão. Algumas cenas, como os encontros no consultório ou os desencontros da vida de Tom, trazem um toque de ironia e leveza que ajudam a manter o espectador envolvido. Esses momentos cômicos quase absurdos mostram como o diretor brinca com temas tabu e desafia o público a rir, mesmo quando o riso vem misturado com o desconforto.
Dying – A Última Sinfonia é uma obra crua e corajosa sobre o isolamento emocional e os conflitos familiares. Matthias Glasner entrega um filme que foge de sentimentalismos e vai direto ao ponto, oferecendo um retrato sem filtro de personagens presos em suas próprias frustrações. É uma experiência intensa e, para quem gosta de dramas familiares densos, é um estudo provocante sobre até onde vão os laços familiares e até onde eles podem se romper.
Malu
Em Malu, Pedro Freire faz sua estreia na direção de longas-metragens com uma história sensível e corajosa sobre uma mulher dividida entre a complexidade da família e o caos da arte. Inspirado na vida da atriz Malu Rocha (1947-2013), mãe do próprio diretor, o filme apresenta três gerações de mulheres cujas histórias entrelaçadas revelam traumas profundos e relações em constante atrito. Com diálogos intensos e performances notáveis, Malu se destaca por seu olhar genuíno sobre os desafios emocionais e existenciais de suas protagonistas.
A protagonista, Malu (Yara de Novaes), é uma atriz marcada pela intensidade e pelo carisma, vivendo entre a fragilidade e a coragem. Em seu lar, localizado numa favela e simbolicamente sempre em construção, Malu recebe sua mãe conservadora, Dona Lili (Juliana Carneiro da Cunha), e sua filha Joana (Carol Duarte). A chegada de Joana torna o ambiente ainda mais conflituoso, trazendo à tona conflitos que revelam tanto o amor quanto o desespero entre as três mulheres. O filme é uma janela para as dificuldades de manter relações familiares de cabeças e gerações tão distintas.
Freire foge de rótulos simplistas ao explorar o interior de cada personagem sem recorrer a maniqueísmos. O filme não apresenta suas personagens como heroínas ou vilãs, mas sim como mulheres reais, com todas as suas falhas e vulnerabilidades. Com close-ups intensos e diálogos ultrarrealistas, o cineasta enfatiza o clima de tensão, criando uma experiência quase claustrofóbica para o espectador, que é constantemente desafiado a entender o lado de cada mulher.
As atuações são o ponto alto de Malu. Yara de Novaes se destaca pela entrega total à personagem, dando vida a uma Malu intensa e imprevisível. Carol Duarte, em uma interpretação contida, transmite com sensibilidade o dilema de Joana, dividida entre a vontade de ajudar e o desgaste emocional que o convívio com a mãe impõe. Juliana Carneiro da Cunha, por sua vez, traz profundidade à personagem Dona Lili, exibindo sua humanidade ambígua e seus valores que misturam amor e conservadorismo.
O filme toca na questão do choque de gerações e na dificuldade de cada uma das personagens em compreender as escolhas e as falhas das outras. As interações entre Malu, Joana e Dona Lili refletem perguntas sobre o que se perde e se ganha ao longo das gerações e como essas mulheres lutam para se aceitar e para se apoiar. O longa responde a essas questões com um toque de ternura, mostrando que mesmo em meio a conflitos, o amor entre mãe, filha e avó persiste.
Malu é um filme cru e poético, abordando temas de resistência, desajuste e a busca por afirmação através da arte e do afeto. Freire cria uma obra que, embora dolorosa, é essencialmente bela, revelando o poder e a fragilidade das relações familiares. É uma homenagem à arte e à luta diária pela sobrevivência emocional, uma mensagem que ressoa com quem já enfrentou os dilemas das relações familiares.
Confira outros textos da nossa cobertura na 48ª edição da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo:
- 48ª Mostra | Grand Tour, Intervenção
- Crítica | Serra das Almas retrata desajustados no nordeste brasileiro
- Crítica | Megalópolis e os delírios de um velho sonhador
- 48ª Mostra | Também Somos Irmãos; Um é Pouco, Dois é Bom
- 48ª Mostra | Zoo venezuelano de Mariana Rondón remonta miséria do país em filme
- Crítica | Anora é a Cinderela do capitalismo tardio
- 48ª Mostra | Sol de Inverno, Manas, O Senhor dos Mortos
- 48ª Mostra | Pequenas Coisas Como Estas, Barba Ensopada de Sangue
- Crítica | Continente: Vampiros, ruralistas em um terror brasileiro
- 48ª Mostra | Os Maus Patriotas, Mambembe
- ‘É onde se concentra a maior parte da população’, diz Fernando Coimbra sobre filmes retratando a vida suburbana
- 48ª Mostra | The Surfer, Oeste Outra Vez
- Crítica | Os Enforcados é uma tragédia de erros no subúrbio carioca
- 48ª Mostra | Tudo Que Imaginamos Como Luz, O Banho do Diabo
- Crítica | Ainda Estou Aqui: a força de uma mãe e a luta pela memória
- 48ª Mostra | No Céu da Pátria Nesse Instante, Maria Callas
- 48ª Mostra | Harvest, Dahomey, Salão de Baile
- 48ª Mostra | Sujo; Não Chore, Borboleta
