Socorro! parte de uma premissa que, à primeira vista, poderia facilmente escorregar para um terreno confortável e previsível. Há ecos claros de narrativas de sobrevivência em ambientes hostis, histórias de convivência forçada, daquela comédia romântica clássica em que duas pessoas incompatíveis precisam aprender a se tolerar longe da civilização. O que impede o filme de seguir esse caminho é a presença de Sam Raimi, um diretor que transforma qualquer situação limite em espetáculo físico, emocional e, sobretudo, cinematográfico. O diretor pega um possível romance e transforma num comentário sobre poder, trabalho, ego e humanidade – tudo embalado em sangue, humor e exagero.
No longa, Linda Liddle (Rachel McAdams), uma funcionária subestimada, e Bradley Preston (Dylan O’Brien), seu chefe arrogante, se veem presos em uma situação extrema de sobrevivência que dissolve, à força, qualquer noção de conforto, hierarquia ou civilidade. Isolados numa ilha deserta após sobreviverem um acidente de avião, eles são obrigados a conviver, enfrentar não apenas um ambiente hostil e imprevisível, mas também as tensões acumuladas de uma relação profissional marcada por abuso de poder, ego inflado e ressentimentos.
Raimi não retorna apenas ao horror; ele retorna ao prazer de encenar. Isso é perceptível desde os primeiros minutos, quando a direção opta por uma encenação expansiva, quase caricata, que deixa claro que o realismo não é o objetivo central. O cineasta aposta em movimentos de câmera abruptos, aproximações repentinas e enquadramentos que parecem invadir o espaço dos personagens. Para o espectador menos habituado à linguagem do diretor, isso pode soar excessivo. Mas o excesso, aqui, é parte do método. Raimi utiliza o exagero como ferramenta narrativa para materializar estados psicológicos: o medo, a paranoia, o ressentimento e, principalmente, a sensação de aprisionamento – não apenas físico, mas social e emocional.
A montagem desempenha papel fundamental nessa construção. Os cortes são precisos e frequentemente inesperados, criando um ritmo que alterna entre o riso nervoso e o choque direto. Em muitos momentos, a edição brinca com a expectativa do público, sugerindo um desfecho para uma cena apenas para subvertê-lo segundos depois. Essa dinâmica mantém o filme em constante estado de alerta, algo essencial em uma narrativa que se apoia quase inteiramente na interação entre dois personagens. Não há espaço para dispersão: cada corte, cada elipse, cada repetição visual serve para aprofundar o conflito central.
Visualmente, Socorro! abraça uma estética deliberadamente artificial. Os efeitos visuais nem sempre buscam a perfeição técnica, e isso não parece um acidente. Pelo contrário, há uma intenção clara em preservar um aspecto quase artesanal, remetendo a um cinema mais físico, onde o impacto vem mais da encenação e da composição do que da ilusão digital impecável.
A fotografia valoriza contrastes fortes, com cores que saltam da tela e reforçam o tom quase cartunesco do horror, basta notar como as cenas noturnas exageramente bem iluminadas – quase como se o filme gritasse: isso é um estúdio!”. O sangue não é apenas um elemento de choque; ele se torna parte da mise-en-scène, um componente plástico que dialoga com a proposta cômica e grotesca do filme.
Essa abordagem estética conversa diretamente com o trabalho dos atores. McAdams constrói uma personagem que, embora apresentada inicialmente sob uma camada de submissão e fragilidade social, jamais soa passiva. Sua trajetória é marcada por pequenas rupturas, gestos contidos e mudanças sutis de postura que indicam uma transformação interna antes mesmo que o roteiro a explicite. Raimi filma essa evolução com atenção quase didática, aproximando a câmera nos momentos certos, permitindo que o espectador perceba nuances que, em mãos menos cuidadosas, passariam despercebidas.
Já Dylan O’Brien assume o papel mais ingrato: o do sujeito privilegiado, infantilizado e, em muitos aspectos, ridículo. O mérito de sua atuação está em nunca buscar redenção. O personagem evolui, sim, mas carrega consigo as marcas de uma criação baseada no conforto e na ausência de consequências. Raimi explora isso visualmente, frequentemente enquadrando-o para diminuir sua presença ou expor sua inadequação diante do ambiente hostil. É um daqueles antagonista que provoca riso, irritação e, ocasionalmente, um desconforto reflexivo – afinal, suas atitudes não são tão distantes de certas dinâmicas corporativas bem conhecidas.
O roteiro entende que o verdadeiro horror não está apenas nas situações extremas, mas nas relações de poder que se revelam quando todas as convenções sociais são arrancadas. Ao colocar chefe e funcionária em um cenário de sobrevivência, o filme escancara o quão frágeis são as hierarquias quando o conforto desaparece. O segundo ato, mais alongado, pode testar a paciência de parte do público, mas cumpre uma função essencial: permitir que a relação entre os protagonistas se construa de forma orgânica. Sem esse tempo dedicado ao convívio forçado, as transformações posteriores soariam apressadas ou artificiais.
A trilha sonora contribui para o tom ambíguo da obra. Em vez de reforçar apenas o suspense, a música frequentemente assume um caráter quase lúdico, criando um contraste irônico com a violência em cena. Esse recurso reforça a ideia de que Raimi não está interessado em um horror puramente opressivo, mas em um jogo constante entre tensão e alívio, medo e gargalhada. É um equilíbrio delicado, mas que o diretor domina com segurança.
Há, claro, limitações. Alguns efeitos visuais quebram momentaneamente a imersão, e certas piadas podem não ressoar com todos os públicos. Ainda assim, esses deslizes parecem pequenos diante da coerência estética e temática do conjunto. Socorro! não busca agradar pela neutralidade; ele provoca, exagera e assume riscos. Então faz parte desse jogo
No fim, Socorro! é menos interessado em responder se seus personagens merecem redenção e mais em questionar estruturas que normalizamos no cotidiano. Ao transformar o horror em uma espécie de catarse. Socorro! é um lembrete de que o cinema de gênero, quando guiado por uma visão autoral clara, ainda pode ser um espaço de invenção, comentário social e, acima de tudo, diversão na sala do cinema.
Leia outras críticas:
