Contar histórias também é uma forma de disputar espaços. No cinema, isso passa por quem aparece diante da câmera, mas também por quem escreve, dirige, interpreta e participa da construção de um imaginário coletivo. Eu Vou Ter Saudades de Você, de Daniel Ribeiro, parte de uma escolha significativa: reunir exclusivamente profissionais trans em seu elenco, dos protagonistas aos figurantes, e ampliar essa presença para outras dimensões da realização. Com Alice Marcone também na coautoria do roteiro e a participação de artistas trans músicas, o longa articula representação e empregabilidade em diferentes frentes da produção. O gesto ganha outra dimensão quando seus personagens não precisam ter a identidade de gênero como principal justificativa dramática. Amanda (Marcone) e Caio (Gabriel Lodi) vivem uma história de amor atravessada por trabalho, expectativas, inseguranças e decisões sobre o futuro. São personagens autorizados a experimentar as contradições da vida adulta, com tudo o que isso envolve de banal, doloroso e imprevisível.
A trama acompanha Amanda e Caio, juntos há sete anos e diante de uma mudança que, em teoria, deveria representar a consolidação do relacionamento: dividir a mesma casa. O que parecia uma extensão natural da intimidade acaba expondo diferenças que o namoro havia conseguido acomodar. Amanda, advogada, recebe a oportunidade de participar de um projeto profissional capaz de catapultar sua carreira. Caio, que trabalha com um programa de rádio e alimenta o desejo de comandar seu próprio programa, também se vê diante de uma possibilidade de transformação. As oportunidades, entretanto, apontam para direções diferentes, colocando o futuro do casal diante de uma incompatibilidade que não se resolve apenas com afeto.
A escolha de acompanhar esse momento da relação merece atenção. O cinema romântico costuma tratar a mudança para uma casa compartilhada como uma espécie de recompensa narrativa, associada à ideia de amadurecimento e estabilidade. Ribeiro observa o movimento pelo lado menos confortável. Morar junto significa descobrir que o espaço do outro também exige negociação, concessões e renúncias. A intimidade deixa de ser construída a partir dos encontros programados e passa a depender da administração de uma rotina. A casa funciona como um território de disputa, onde as expectativas individuais começam a esbarrar na realidade de uma vida compartilhada. O conflito não está necessariamente na ausência de amor, mas na dificuldade de imaginar um futuro em que os desejos de ambos continuem cabendo sob o mesmo teto.
Essa abordagem encontra um ponto de identificação que ultrapassa a experiência específica dos protagonistas. O desgaste no namoro, o receio de constituir uma família, a possibilidade de uma traição, a saída da casa dos pais e a disputa por reconhecimento profissional são conflitos reconhecíveis em diferentes trajetórias afetivas. A gravidez e outras questões relacionadas à dimensão biológica também aparecem sem receber um tratamento excessivamente solene. Existe uma tentativa de retirar a experiência trans do lugar permanente da explicação, permitindo que o cotidiano ocupe a narrativa. A participação de Marcone na construção do roteiro reforça essa perspectiva, especialmente na elaboração de personagens que justifiquem para cada decisão por meio de suas identidades.
Essa naturalização, entretanto, abre uma discussão sobre os limites da proposta. Ao aproximar Amanda e Caio das estruturas tradicionais da comédia romântica, a narrativa reproduz dinâmicas bastante conhecidas do cinema heterossexual: a monogamia como horizonte predominante, o casamento como possibilidade de realização e a constituição de uma família como desdobramento esperado do relacionamento. A presença de protagonistas trans não altera automaticamente essas convenções. O conflito ao relacionamento de Amanda em um colega de trabalho, interpretado por Luca Scarpelli, ganha contornos de culpa que parecem maiores do que o próprio acontecimento. Durante parte da narrativa, o peso emocional recai sobre uma traição que sequer chegou a se concretizar. O desejo, a intenção e a transgressão passam a ocupar lugares semelhantes dentro da moral afetiva dos personagens.
A escolha não representa necessariamente um problema em si, mas evidencia uma oportunidade de investigação dramática. Quando uma história reúne personagens cujas experiências afetivas foram historicamente pouco representadas, a reprodução de modelos convencionais também pode produzir novas perguntas. A liberdade de viver uma relação envolve a possibilidade de questionar os formatos que a organizam. O filme toca nesse território, mas permanece próximo das convenções do gênero. Curiosamente, sua narrativa ganha maior tensão quando o triângulo amoroso entre Amanda, Caio e o colega de trabalho interfere diretamente na estabilidade do casal. Nesse momento, os sentimentos deixam de circular apenas em torno das expectativas de futuro e adquirem uma imprevisibilidade que torna as relações mais interessantes.
Outra questão aparece na construção do universo social apresentado. Em determinado momento, a televisão exibe uma presidenta transexual celebrando sua reeleição. A imagem sugere um país no qual a presença de pessoas trans nos espaços de poder já não constitui uma excepcionalidade. É uma projeção que desperta curiosidade, sobretudo quando colocada em contraste com a realidade brasileira. O filme não oferece elementos suficientes para compreender como essa transformação teria acontecido, quais disputas políticas a sustentariam ou de que maneira seus efeitos alcançariam a vida cotidiana. Surge uma espécie de Brasil possível, mas ainda pouco desenvolvido em suas bases. A ausência da transfobia e das perseguições conservadoras contribui para afastar a narrativa do sofrimento como eixo obrigatório, embora também deixe em aberto a construção social desse ambiente mais acolhedor. Entre a utopia e o naturalismo, existe um território que o roteiro poderia explorar com maior profundidade.
Na realização, Ribeiro demonstra cuidado com a maneira de aproximar a câmera dos personagens. A fotografia de Pablo Escajedo recusa a nitidez excessivamente polida de muitas produções contemporâneas e aposta em uma granulação que acrescenta textura aos ambientes. A alternância entre planos de conjunto fixos, de composição mais acadêmica, e enquadramentos próximos realizados com câmera na mão produz uma relação interessante entre observação e intimidade. Quando a câmera se aproxima, a imagem ganha instabilidade; quando recua, permite que os personagens ocupem o espaço sem precisar explicar cada gesto. Existe uma preocupação em acompanhar os corpos sem transformá-los em objetos de curiosidade. O tratamento da nudez, parcial e contida, e das cenas de intimidade segue essa mesma orientação, aproximando-se dos protagonistas sem recorrer ao fetichismo ou ao sensacionalismo.
Essa relação entre os personagens e os espaços também merece atenção. A casa compartilhada concentra boa parte das tensões do relacionamento, funcionando como uma extensão física das expectativas que Amanda e Caio depositam na vida a dois. Os ambientes profissionais, por sua vez, deveriam representar as possibilidades individuais de crescimento, mas nem sempre encontram no roteiro uma materialidade equivalente. A direção consegue estabelecer uma proximidade com os protagonistas, embora a construção desses espaços nem sempre acompanhe a complexidade das decisões que eles precisam tomar. A diferença entre a intimidade doméstica e as ambições profissionais poderia render um contraste visual e dramático mais expressivo.
A montagem participa dessa questão. Algumas transições resolvem conflitos com rapidez excessiva, retirando das situações o tempo necessário para que suas consequências sejam percebidas. Quando Amanda reclama que Caio ainda não realizou a mudança completa para a casa nova, por exemplo, a resolução aparece quase imediatamente. A passagem da insatisfação à solução deixa pouco espaço para observar as negociações que constituem a convivência. São essas pequenas fricções que poderiam aproximar ainda mais o filme de sua proposta inicial. A sensação de que determinadas situações avançam por conveniência narrativa também afeta a construção das relações, sobretudo quando os personagens precisam lidar com mudanças profissionais e afetivas simultaneamente.
O roteiro encontra dificuldades semelhantes na representação do trabalho. Amanda atua em um escritório de advocacia, mas os projetos jurídicos que deveriam justificar sua ascensão quase nunca ganham materialidade. As conversas pouco revelam sobre os casos, processos ou responsabilidades que compõem sua rotina. Caio manifesta o desejo de construir uma carreira no rádio, embora suas atividades não ofereçam elementos suficientes para compreender a dimensão desse projeto. A possibilidade de passar um mês em Nova York por causa de uma seleção profissional também carece de justificativas mais concretas. São detalhes que enfraquecem a credibilidade de um conflito cuja força depende precisamente das consequências práticas das escolhas individuais. Quando o trabalho aparece apenas como argumento para deslocar os personagens, a disputa entre realização pessoal e vida amorosa perde parte de sua dimensão cotidiana.
A música também participa dessa construção de pertencimento. A presença de intérpretes trans na composição musical do longa amplia a ideia de representatividade para além do elenco e daquilo que acontece diante da câmera. A trilha sonora, além da função narrativa de acompanhamento emocional, também funciona como parte de um ambiente artístico no qual essas vozes também encontram espaço. Essa escolha estabelece uma continuidade entre aquilo que o filme conta e as pessoas envolvidas em sua realização.
Eu Vou Ter Saudades de Você trabalha, portanto, com uma ideia de representação que ultrapassa a presença física de pessoas trans no cinema. Trata-se também de disputar o cotidiano, os conflitos banais, as histórias de amor e até as imperfeições de personagens que não precisam funcionar como representantes de uma causa em cada cena. Existe algo de significativo em permitir que essas trajetórias sejam atravessadas por problemas tão ordinários quanto uma mudança de endereço ou uma oportunidade de emprego. A questão está em como transformar essa liberdade de representação em matéria dramática, sem deixar que as convenções herdadas do gênero reduzam as possibilidades abertas pelo próprio elenco.
O título carrega uma melancolia que combina com esse momento de passagem. Sentir saudade não significa apenas lamentar uma ausência, também envolve reconhecer que algo foi vivido, compartilhado e incorporado à nossa história. Amanda e Caio estão diante de uma transformação que não diz respeito somente ao destino do relacionamento, mas às pessoas que desejam ser quando suas trajetórias deixam de caminhar na mesma direção. O filme de Ribeiro também participa de uma mudança de espaço, reivindica para artistas trans o direito de contar e interpretar histórias que não precisam estar permanentemente ocupadas pela dor. Sua contribuição está nesse gesto de ampliar o repertório de existências possíveis, ainda que as contradições de sua narrativa revelem quanto espaço permanece por conquistar. O desafio passa por fazer com que essas presenças não sejam apenas acolhidas pelo cinema, mas também tenham liberdade para transformar as histórias, as imagens e as convenções que ele coloca em circulação.
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